Mapping design territories

On ne vous apprendra rien de nouveau : l’échelle de notre monde a changé radicalement dans les vingt dernières années. Dans les années 1990, le village global de McLuhan est devenu réalité.L’idée de Marshall McLuhan était que les médias électroniques transformeraient le monde en un seul village grâce à la transmission instantanée d’informations. Marshall McLuhan, « The Gutenberg Galaxy ». Toronto : University of Toronto Press, 1961. On a commencé à utiliser Internet à grande échelle et la dérégulation du marché aérien européen a donné naissance aux vols low-cost. La mobilité s’est améliorée au point où il n’est plus surprenant d’étudier à l’étranger, de faire des trajets pendulaires au-delà des frontières ou d’avoir des clients que l’on n’a jamais rencontrés dans des endroits où l’on n’est jamais allé. Ceci dit, il serait exagéré d’affirmer que l’influence de la géographie a été réduite au point de non-existence. Même un coup d’œil rapide aux nouvelles vous prouvera le contraire : la migration des biens et des personnes se heurte encore à la réalité, parfois tragique, des frontières, des tunnels et des bateaux de sauvetage. Les associations d’Etats se font et se défont, mais qu’en est-il du mouvement des idées ? Ces dernières n’ont pas besoin de passeport et franchissent facilement les murs : comment et où voyagent-elles ? Quelle est l’influence de l’emplacement, de la migration ou de la transnationalité sur la pratique des designers ? En d’autres termes, comment vivent-ils dans ce village global ?

Dans la sélection des nominé·e·s aux Swiss Design Awards 2019, plusieurs projets démontrent l’influence de toute une série de géographies. Qu’ils soient cartes ou territoires, toponymies ou topographies, les projets qui suivent donnent un aperçu des lieux et des géographies qui ont inspiré la pratique des designers.

Bien que la Suisse soit petite, des dialectes régionaux sont identifiables. Les designers ne sont pas forcément explicites sur ces vocables locaux traduisant une géographie qui n’est peut-être pas déterminante, mais bien discernable. Le travail du studio de design graphique PIN (Larissa Kasper, Samuel Bänziger et Rosario Florio) en est un parfait exemple. Des publications qu’il soumet à l’organisation de son portfolio, PIN fait preuve d’une méthode programmatique magistrale qui crée des mises en page architecturales. Les marges tendues, la grille structurelle et ses rythmes vibrants sont le signe distinctif d’une des traditions les moins connues de Saint-Gall : la beauté saisissante de son design du livre.

Inversement, les posters du studio Neo Neo (Xavier Erni et Thuy-An Hoang) sont de vrais ambassadeurs de la scène genevoise de l’affiche. L’accent local est perceptible dans l’utilisation badine, mais relativement sobre, d’éléments vernaculaires, de polices et d’éléments graphiques. Ces éléments contribuent à la création d’une sensation subtile de provenance. Loin d’être caricaturale, elle est peut-être seulement perceptible pour le connaisseur ; mais tout comme PIN est fermement ancré à St Gall, le travail de Neo Neo est indéniablement le fruit d’un atelier genevois.

Un autre type de géographie est perceptible dans le travail de nominé·e·s qui continuent leurs études en-dehors de la Suisse. Ils développent des accents indéfinissables : leur travail n’est ni complètement d’ici ni de là. Un air néerlandais est apparent dans le portfolio du designer graphique et typographe Mateo Broillet, tant dans son langage graphique que dans son approche conceptuelle. Son intérêt pour l’affect des lettres – leur état moral – à travers leurs constructions sociales, géographiques et politiques sont l’héritage de ses études au Sandberg Instituut. « Le challenge en venant de Suisse au Sandberg, c’était que l’intérêt des tuteurs se portait sur une narration du projet, plus que sur le projet en lui-même. [Pour caricaturer], tandis qu’en Suisse il y a une fascination pour l’aspect technique de la typographie, c’est perçu comme quelque chose de peu d’intérêt à Sandberg. Le fait de développer sa narration, ‹ son histoire ›, est vu au Sandberg comme quelque chose dont l’application concrète va découler, plutôt que l’inverse. »

Broillet explique ensuite que l’influence est micro- plutôt que macrocosmique : les institutions ont plus d’impact sur les pratiques du design que les pays dans lesquels elles sont situées. « Par exemple, le Master Type Media à La Haye me semble tout aussi ‹ technique ›, alors que son homologue britannique de Reading est plus porté sur le monde universitaire. » Impossible, donc, de prédire comment Broillet aurait développé sa pratique s’il avait étudié ailleurs.

Un autre exemple, cette fois avec un accent de New Haven/New York, est le travail du designer graphique Ben Ganz. Pendant son Master à Yale, il a développé un langage associant un bagage provenant de ses études de design en Suisse et une approche personnelle. Ses intérêts l’ont conduit à créer une série de posters combinant des dispositifs innovants. Ganz a modifié des imprimantes de manière à contrôler la surimpression, la vitesse du support et son matériau. Comblant le fossé entre deux et trois dimensions, la première série d’affiches a été montée dans des cadres qui rappellent des étagères d’archivage, alors que la deuxième a été imprimée sur des plaques d’aluminium qui furent ensuite pliées. Bien que leur mise en page puisse être placée dans un héritage suisse, la qualité sculpturale des installations fait preuve d’une audace encouragée par la tradition de Yale, qui tend à redéfinir la présence physique d’objets du design.

L’environnement physique est le domaine le plus apparent de la géographie. Certain·e·s nominé·e·s organisent leur travail à l’échelle globale en déplaçant leur atelier à l’étranger ou en navigant entre plusieurs ports d’attache. Pour ces designers, la question n’est pas tant d’où ils viennent, mais plutôt où ils sont du coin.Taiye Selasi, « Don’t ask where I’m from, ask where I’m a local ». Conférence presentée à TEDGlobal 2014 à Rio de Janeiro, Brésil, 2014. Comment est-ce que l’environnement ou les voyages influencent leurs pratiques ? L’architecte Daniel Zamarbide est un exemple de cette « multilocalité ». Le titre de son dossier, Terpsichorean Geographies,Terpsichore est la muse de la danse. convient particulièrement à sa carrière qui fait un gracieux pas glissé d’un endroit à l’autre. Travaillant sous le nom de BUREAU, le nominé en scénographie a des ateliers à Lisbonne et à Genève, et les projets qu’il soumet cette année couvrent la Suisse, les Etats-Unis et la France.

« Je me sens à l’aise quand je me déplace au sein d’une petite diversité d’endroits. Très tôt, j’ai été ‹ déraciné › d’une petite ville confortable dans le Pays Basque espagnol vers Genève, et à présent à Lisbonne. Depuis, je n’ai jamais vraiment eu de patrie, cet endroit où tu vas pour redéfinir ton identité. Je crois que cette dernière n’a pas besoin d’être basée sur un critère national. C’est donc plutôt naturellement que je me retrouve entre deux pays différents. »

« C’est devenu si facile et naturel de voyager que ça a perdu tout exotisme. Dans ce laps de temps non défini, je réfléchis, développe des projets, m’évade ou dors, tout simplement. Bien que nous soyons une petite équipe, nous voyageons tous beaucoup. L’atelier devient donc un endroit où se socialiser, se rencontrer, partager – l’endroit où l’on peut être ensemble. C’est libérateur d’être basé dans deux lieux. Dans ce contexte, notre travail s’est développé en conséquence : le déplacement interfère avec notre processus de design et notre réflexion. C’est une expérience formidable qui nous force à changer ce que l’on tient pour acquis. Cela donne une forme d’élasticité à nos réflexions et nos intérêts dans le design. »

La designer de produit Julie Richoz a la même approche des changements de contexte, qu’elle voit comme une méthode pour développer sa pratique. Elle présente quatre projets développés en Europe, Amérique latine et Asie. Mais le déplacement de Richoz est temporaire et se traduit principalement par des résidences et des collaborations avec des artisans locaux. Bien qu’elle cite parfois un vocabulaire local, la plupart du temps elle effectue un rapprochement entre les techniques régionales et son propre langage créatif. Grâce à ce processus, elle crée des objets de design qui transcendent leurs origines géographiques.

Coopérant entre Londres et New York, No Plans (Daniel Baer et Daniel Pianetti) a développé une pratique qui se prête particulièrement bien à une collaboration d’un côté de l’océan à l’autre. Le duo de designers graphiques transcende les obstacles physiques en se taillant un coin du web comme lieu de travail. « On rencontre souvent de nouvelles personnes via notre réseau personnel, qui est local à un certain degré. Mais on a travaillé avec plusieurs personnes avec qui nous n’avons jamais été assis à la même table. Le fait que nos créations vivent sur le web nous permet un accès plus facile à une audience globale. »

Lorsqu’on leur demande quelle est leur relation aux scènes physiques, les designers de No Plans expliquent : « à Londres, le secteur culturel n’a pas beaucoup de financement. Nous avons dû apprendre à penser ‹ commercial › tout en protégeant notre intégrité. La situation de New York est similaire, mais avec un rôle prépondérant joué par le secteur des technologies, dont les principes de design sont parfois en contradiction avec notre type de pratique. [Mais travailler pour ce secteur] peut aussi créer des opportunités passionnantes qui sont plus difficiles à trouver en Europe. »

Dans Location, location, location – la série produite par Channel 4 – les présentateurs tentent de trouver le bien immobilier idéal pour différents acheteurs chaque semaine. Tout comme eux, Denis Roueche et Prune Simon-Vermot (nominés dans la catégorie médiation) ont trouvé l’endroit parfait à Neuchâtel pour leur espace d’expositions d’art et de design. Le duo a transformé un abri de bus en un lieu du nom de Palais–Galerie. Avant de surclasser une salle d’attente en une destination transdisciplinaire, Roueche et Vermot organisaient des expositions dans plusieurs lieux de Suisse Romande. Quoi de plus naturel que leurs activités se soient installées – arrêt sur demande ! – dans un bâtiment symbolisant trajets quotidiens et voyages ? Mais la galerie aux allures de palais de 15 m2 s’étend au-delà de l’espace physique : elle explore des territoires entre art et design, réunissant « une constellation de ‹ sous-cultures › esthétiques singulières et non cartographiées ».François Rappo, « Intersection ». [Palais–Galerie dossier], n.d, 2018?. Palais—Galerie offre non seulement une addition bienvenue au paysage réduit des galeries montrant aussi bien art que design, mais aussi une destination située en-dehors du circuit habituel des villes abritant ces institutions.

Nominé dans la catégorie médiation, le groupe common-interest (Nina Paim et Corinne Gisel) se déplace à travers des géographies qui ne sont pas physiques, mais plutôt concernées par les méthodes. Le duo a construit une pratique qui fusionne enquête critique et narration créative dans le but de rendre la recherche publique. Common-interest utilise le média qu’il trouve être le plus approprié pour chaque situation. Cela inclut des publications, des expositions, des workshops et des textes, mais aussi des pizzas (en l’occurrence, pour un événement organisé avec leurs collègues de depatriarchise design qui sont également nominées cette année).

Les deux designers présentent leur travail comme curatrices d’une exposition de la Biennale de Fikra à Sharjah (Emirats Arabes Unis). Sous le titre Ministère du Design Graphique, la biennale était organisée en plusieurs départements. Common-interest a développé le Département des Non-Binaires et s’est penché sur les pratiques qui « floutent les catégories utilisées traditionnellement pour délimiter les genres, audiences, marchés et attitudes au sein du design graphique. »Common-interest, « Department of Non-Binaries : an exhibition about hybrid design practices and identities. » [common-interest dossier], 2019. Leur travail a cartographié une zone sans bordures définies qui démontrait les possibilités offertes par des méthodes de travail informées par le design.

Les médiatrices de depatriarchise design (Maya Ober à Bâle et Anja Neidhardt à Berlin) partagent un talent similaire pour se déplacer dans les territoires de la pratique. Elles utilisent entre autres des workshops, laboratoires, conversations, publications et un blog pour « examiner la complicité du design dans la reproduction de systèmes oppressifs, en se concentrant essentiellement sur le patriarcat, à l’aide d’une analyse féministe intersectionnelle. »Depatriarchise design, About depatriarchise design [https://depatriarchisedesign.com/about/, 26 mars 2019], n.d. En publiant des textes dans diverses langues, elles étendent le discours au-delà de la sphère anglo-centrique habituelle. « Nous pensons que le terme ‹ village global › a été mal interprété. On doit se poser la question de l’accessibilité avant de dire qu’on en fait tous partie. McLuhan a dit que ‹ le monde est devenu un ordinateur, un cerveau électronique ›McLuhan, « The Gutenberg Galaxy ». – mais nous posons la question : qui a accès à ce cerveau ? Nous aimerions développer des formes différentes de production de connaissances et de médiation culturelle. Nous utilisons activement nos ‹ positionalités ›, ce qui veut dire que nous avons pour but de devenir conscientes de qui nous sommes, d’où nous venons et comment nos façons de penser et d’agir sont façonnées par nos identités. Personne ne peut être réduit à des catégories bien rangées. Nous avons pour but de faire reconnaître la diversité de ces réalités et contextes. »

Le duo explique qu’un champ de pratique ne peut pas être envisagé sans ses voisins. « Nous devons penser aux différents niveaux et ‹ géographies › du design. En particulier depuis que la production de masse s’est globalisée, le design industriel est intégré dans ce que bell hooks appelle le ‹ patriarcat impérialiste blanc suprématiste capitaliste. ›Gloria Jean Watkins, qui écrit sous le nom de bell hooks, est une auteure, professeure et activiste américaine dont le travail se concentre sur l’intersectionnalité de la race, du capitalisme, du genre, de l’oppression et de la domination des classes. bell hooks, « Feminism is for everybody ». Londres : Pluto Press, 2000. Par exemple, la majorité des appareils électroniques consommés dans le Nord dit global est assemblée dans des pays asiatiques – et après leur consommation, on s’en débarrasse dans des bidonvilles africains. Mais la géographie peut aussi être très physique. Notre initiative la plus récente, !Labs!, a lieu localement à Bâle, mais a en même temps une forte présence en ligne. »

Expliquant le pouvoir offert par une présence en ligne, depatriarchise design explique que « la soudure entre le digital et le physique nous permet différents angles de travail féministe. Sarah Ahmed écrit que vivre une vie féministe, et être les ‹ rabat-joie  ›, peut nous donner un sentiment de solitude.Sara Ahmed est une universitaire féministe et une écrivaine indépendante qui fut la première directrice du Centre pour la Recherche Féministe à la Goldsmiths University de Londres. En même temps, créer des réseaux entre designers, chercheuses et activistes qui partagent des expériences de lutte similaires au sein du champ du design, qu’elles soient basées à Buenos Aires, Beyrouth ou Londres, apporte un soutien mutuel, un échange étendu et un immense espoir. »

Certain·e·s designers exploitent explicitement le fort pouvoir narratif contenu dans la géographie. Le designer de produit Christian Paul Kägi présente Bananatex, une collection créée pour sa marque Qwstion, qui fait usage d’un tissu spécialement développé à base des fibres du bananier Abaca (Musa textilis). La collection est représentative des réseaux de production. Kägi l’a développée à Zurich, l’Abaca pousse aux Philippines et ses fibres sont tissées à Taïwan. La série de photographies promotionnelles pour Bananatex tire parti de cette globalité. Elle montre des modèles portant les sacs dans les divers sites où les fibres sont récoltées puis transformées. Les récits autour des processus de recherche et procédés de production sont donc partie intégrante de l’objet final.

La designer de textiles Marie Jambers se base aussi sur les lieux de production – quoique cette fois sur une échelle locale – en utilisant la laine d’une association neuchâteloise de producteurs. La provenance locale du matériau est en ligne avec les thèmes qu’elle explore dans son travail. Jambers crée un univers intime de formes, couleurs et matériaux qui peuvent être touchés et vécus. Ses textiles évoquent une micro-géographie à l’échelle de la main. Au métier à tisser, elle laisse libre cours à l’expérimentation, produisant un tissu avec lequel on peut jouer, qu’on peut teindre ou assembler.

Une autre designer de textile, Estelle Bourdet, fait également usage de micro-géographies. Dans son dossier, elle cite La poétique de l’espace.Le texte de 1957 de Gaston Bachelard explore le potentiel de l’image poétique comme outil ontologique. Son originalité tient à la place prépondérante donnée à l’imagination et la poétique comme puissance majeure de la nature humaine. En faisant référence aux pièces d’une maison, Bourdet se base sur les typologies spatiales de Bachelard et développe des textiles en domiciles métaphoriques pour nos souvenirs. Ses tissages reflètent les caractéristiques de la chambre, du couloir, du jardin et ainsi de suite en utilisant des couleurs, proportions et motifs qui explorent la représentation d’espaces vivants. À cet examen microscopique s’ajoute une dimension macroscopique. Bourdet vise à recontextualiser de manière sociale, formelle et temporelle la production artisanale de tapis existant en Suède depuis le 18e siècle.

La designer de mode Eliane Heutschi ajoute la dimension de l’histoire à celle de la géographie. Elle ressent une prise de conscience lorsqu’elle travaille pour une ONG au Pérou, où elle réalise l’importance de perpétuer les savoir-faire ancestraux qui sont en possession d’un nombre toujours plus restreint d’artisans. Heutschi décide de baser les collections de sa marque [savoar fer] sur des techniques qui peuvent souvent être rattachées à des lieux spécifiques. Sa collection AW17 utilise la dentelle à fuseaux, qui fut développée en Italie et en Belgique au 15e siècle. La collection SS18 fait référence à l’utilisation du point de croix par nos mères et grand-mères. Finalement, la collection AW18 utilise un pli plat dont l’origine peut être retrouvée en Ecosse.

Cependant, les origines – historiques ou autobiographiques – ne sont pas toujours source d’inspiration paisible. Leur influence en tiraillement est explorée dans les collections du designer de mode Bryan Colò, qui a eu besoin de quitter son village pour réévaluer et redéfinir la richesse de son identité. Forcé à l’exil afin de pouvoir vivre librement en tant qu’homme gay, il découvrit rapidement que la terre promise – dans son cas, la ville de Genève – était en fait une dystopie où règnent les bureaucrates. En utilisant la satire, la caricature et la tradition du carnaval, Colò prend sa revanche tant sur le village que sur la ville. Il crée une collection qui fait allusion au power dressing (blazer, trench et pantalons) et aux vêtements de sport, se fabriquant une armure qui lui permet d’affronter les démons passés et présents.

Provenant aussi de sources autobiographiques, le travail de la photographe Solène Gün aborde la géographie et la migration. Elle-même issue de l’immigration turque, Gün traite dans son projet du quotidien de jeunes Turcs dans les banlieues parisiennes et berlinoises. Sur ses images, du fil de fer barbelé contraste avec des pigeons prenant leur envol ou une silhouette regardant au loin. Bien que la migration soit souvent une tentative d’atteindre un monde meilleur, ici la destination suggère une autre réalité. Les non-lieux documentés par Gün trahissent l’impression d’une vie quotidienne banale, hantée par le vide du déplacement, où la reconstruction de l'identité passe par la recréation d'une communauté.

Alors, qu’avons-nous appris lors de notre tour de la place du village global ? En cartographiant les projets et les pratiques d’une sélection de nominé·e·s, nous avons pu voir les différents lieux où la géographie exerce son influence. Parfois, l’emplacement ne fournit qu’une couleur au travail. Dans d'autres cas, la géographie fonctionne comme un cadre organisant la vie créative du studio ou fournissant de nouvelles sources d'inspiration. Choisir où situer sa pratique ou un projet, tant physiquement que métaphoriquement, localise et élargit les possibilités offertes par le design.

Les géographies peuvent également être utilisées comme sources dans le travail des concepteurs. Dans ces derniers exemples, les notions de provenance, de situation ou de destination sont déterminantes dans le processus, autant que le résultat. Dans ces cas, la géographie a une qualité péritextuelle. La cartographie montre que l’impact des géographies est loin d’être réducteur. Il localise et élargit les pratiques. Certains projets sont des cartes, d'autres des territoires ; en les regardant sous l'angle de la géographie, une lecture prismatique du design est révélée.

Jonas Berthod est un designer graphique, chercheur et écrivain basé à Londres. Doctorant en histoire du design graphique, il enseigne également à l'ECAL et au Royal College of Art. Son travail, entre pratique et théorie, couvre une série de sujets liés au design.